立博:声乐专业男生唱歌发声方法

发布时间2020-07-21    点击数: 139   作者:立博体育手机app下载

声乐专业:男生唱歌发声方法声乐专业男生唱歌发声方法男生唱歌发声方法有哪些?古往今来,声乐教师训练学生发声技巧都围绕这三个要素展开进行的。在我的歌唱训练中我是从以下三个方面来入手的。一起来学习吧。一、要求学生有良好的气息支持帕瓦诺蒂说过:

呼吸是人的本能,为的是吐故纳新、生命的需要,而歌唱的呼吸是为了气息更饱满、声音更有威力和表现力。歌唱时的吸气量比生活中的自然吸气量多,立博体育手机app下载学生往往由于“贪心”吸得脸红脖子粗,这相反造成发声器的僵硬,气息难以控制。呼吸是一个抽象的概念,而唱一个乐句比讲一句话的时间长得多,又有音高上的严格要求,歌唱需要比讲话有更多、更长的气息支持,如果靠学生习惯的较浅的呼吸是远远不够的。正确的吸气应双肩放松、胸脯自然挺起,精神振作而上身放松,随着口鼻的开启气息很自然地流进扩张的胸腔,这使人为地下降横隔膜。横隔膜的运动是呼吸的原动力,我通常让学生两手插腰来感觉横隔膜的运动在改变胸腔的上下径,乃至上腹和后腹部位舒展外张,如果横隔膜的持续下降至小腹膨胀,学生就达到了常人所说的“小肚子一鼓,气流丹田”了。如果学生学会了这样吸气,他们的气息是深而多的。而呼气是主动又有控制的,这就需要气息的支持,也就是需要向内下吸的保持力量和向上向外呼的支持力量,而向上呼的支持力量大于向下吸的保持力量,这时小腹就明显地内收,好象“吸中有呼,呼中有吸”,努力将气息控制在腹部周围,避免上浮,同时放松肩膀、胸部及膀子周围的肌肉,以建立良好的歌唱状态。如果控制好了气息就会感觉有一股风样的气流圈从腹部到头在连续不断地滚动。

通常,理解了呼吸的过程和作用而又缺少实际的训练,于是每次临睡前躺在床上平静地练习呼吸。因为人躺着呼吸时,身体是放松的,心情是平静的,手轻按腹部就能感觉到呼吸运动而造成的小腹高低、上下的明显变化。我常要求学习者坚持睡前练习呼吸运动,练累了也很快就睡着了。通过学生脑力劳动与体力劳动结合下练习,他们有了歌唱呼吸的正确方法,当他们站着的时候气息运动就会逐渐产生流动感,也就有了声音圆润的最初感觉。然后,练习发“sol”这个长音,让学生尽量唱得长一些,哪怕多坚持0.1秒都可以,从而加强横隔膜得锻炼,体会呼吸的支持。也可以一口气唱喜欢的.歌曲,唱到气息无法支持为止。

1.打开喉咙的一个重要的外观标志是喉结下沉。人的声带长在喉的甲状软骨中,也就是喉结内。男生的喉结随发育而明显,女生的喉结在外观上看不出来但并非不存在。无论是男是女,歌唱时的喉结一定要往下拉,这一点十分重要。而有的人为了努力使喉结下降就用力压舌根、拉下巴,造成紧张的状况是不利于发声的。正确的做法是舌面平伸、自在,体会打哈欠、大笑或大哭的感觉。我告诉学生按打哈欠时的喉结位置去发音,这是一个非常简单的途径,并指出歌唱时应该保持这样的状态。也不妨让学生把头往后仰来发声,喉结就下降了,这样唱出来的声音是松弛、自然的,但也是空洞、没位置的,可这是体会打开喉咙的好办法,并指出歌唱时一定要把头恢复到正常状态。当一个人喉咙打开时,喉咙会向四周扩张,喉结和喉的底部感觉是向下拉而又沉稳的,这时的鼻咽、口咽和喉咽都处于兴奋的扩张状态,牙关也是张开的,也就是说喉、口、鼻、咽腔形成了一个适合发声共鸣的管道。

2.在实践中,我认为u和i这两个元音相结合练习打开喉咙效果较好。因为发u元音时,喉位最低,声音最通,这是u元音强迫内部力量来打开喉咙的作用。i元音较其它几个元音对声带的要求最强,在练习i元音时,声带承受的压力也较大,练习时间就不能太长,所以把i、u结合起来练既拉紧了声带又稳住了喉头。练习中必须注意i和u的共鸣位置统一,不让u的位置掉在i的下面,因为i容易进入鼻腔,u容易暗淡沉闷。如:

当初步学会了打开喉咙的方法,就应在歌曲的教学中让注意每一个字的发音。比如,《啊,老师妈妈》一歌,第一句的歌词是“我爱老师,我爱妈妈”,这些字的母音是“oaiaoIa”,发这些音也得稳住喉头。这样,气息才能更畅通地运行,声音也自然会丰满、圆润了。

各种乐器都有各自的共鸣腔体,才能使声音扩大和美化。例如小号、军号饱满又传达致远,就是由于喇叭共鸣的作用。初当歌唱的同学,往往自然声区较好,但声音位置低,唱高音困难。而歌唱的发声必须采用高位置头声的训练方法,这是一条重要的教学原则。无论唱高声区还是低声区都应该从头声的训练方法来唱歌,以追求面罩上的共鸣。所谓面罩,就是上口盖上面的所有腔体:鼻窦、额窦、上额窦及额首。如果取得了较好的面罩振动,也就说明这是一种好的发声方法的结果,也可以说是检验发声方法的途径之一。如果喉咙是完全打开的,横隔膜是深呼吸下沉的,又取得了良好的面罩共鸣,声音就会松弛、宽厚、通畅、明亮。

声门是声带闭合的间隙,所谓“声门适度感"就是歌唱时声带的适度闭合。闭得太紧,气息就不通畅,而且声带上容易挂着喉咙肌肉的力量。反之,如果闭合无力,声门就会漏气,声音也必然空洞无力。须强调指出的是要让学生“找气不找劲”,让学生观察自己的肌肉运动,感觉上自己的嗓子周围和下巴也都是松弛的,没有任何多余的劲,声音听起来也就清澈、连贯、优美,这就说明声门适度了。当有了良好的呼吸动力支持和通畅的共鸣空间,再有了声门的适度感,声音就会再进入面罩以后有一种光泽闪亮的高泛音,如薄薄的蝉翼悬挂再头腔鸣响,余音绕梁。

2.多练“哼鸣”练习。面罩共鸣实际上从很大程度上来说,是打开鼻咽腔的产物。所以我很重视学生的哼鸣练习。哼鸣是我们生活中常见的动作,有人高兴时会哼小调,不满不服气时会用一声“哼”。这可简单,但歌唱中的哼鸣要求喉咙不要捏,要打开,喉结放在最低位置上,笑肌要提起,自然地面带微笑状,而且把“哼”的感觉贴在叹气的深呼吸支持之上,否则哼不到面罩里,晕乎乎的让学生体会一下擤鼻涕的感觉。这时的横隔膜是有力的支持者,全身要畅通,尤其是肩、胸部位要放松,胸口不要想着劲,向下叹着哼。在检验哼鸣方法正确与否时,可看学生的嘴巴是否能自由动作而又不影响发声,如张嘴闭嘴哼一个样,音色不变,说明学生基本掌握了,训练发声时,我常采用“m、n”带出元音,这种办法可让学生先找到鼻音在找面罩共鸣。

这是一条较好的哼鸣练习,中声区先练,再向两头扩展,最好放在每次练声前做,可用半音模进进行。从上往下唱比较有利于放松,比较容易使声音进入面罩共鸣。可启发学生“闻花香似地打开嗅觉区""微笑抬起面颊及打哈欠似的口腔动作”。而“ma、me、mi、mo、mu”的练声可先“念”后唱,抬起软腭,充分张开喉咙,进行“念”,确保高位置的头声,初练时不妨让上下唇轻含大拇指(牙齿不能咬住大拇指),训练两三遍之后放下拇指又保持含拇指的感觉。这样的声音较轻,但并非是松垮无力的。在Hm音哼会之后,以哼带“念”入“唱”,不妨让学生双手触摸横隔膜,感受横隔膜的向下低沉支持和位置高而“竖"的声音,再试一下du音练习。du音能让学生体会横隔肌的支持,然后再练一下就容易让学生感受到追求共鸣不得忽略气息支持。

我们在电视里常常看到歌唱家廖昌永唱歌,我在听他的歌时觉得他的声音好象离喉咙很远,完全超脱了。其实,当他掌握了面罩共鸣的唱法,声音才具有高位置、高泛音、穿透力。初学歌唱者不可能有他那样高亮的共鸣,但可以从最初的模仿小声哭泣来感觉。大家逐磨一下,人在哭泣的时候声音为什么会变宽、变暗?其实,当人在无意中打开了喉咙,喉结位置低而舌根一点也不下压,上腭也“兴奋”地抬起,而横膈膜的动作变化幅度也大了。当然,模仿小声哭泣是一种体会共鸣的感觉,不能让学生带着哭腔进入歌声,而要诱导学生在发音实践中把握哭泣时的发声状态。

4、以鼻尖为界限,分清“1号位置”和“2号位置”。歌唱的共鸣也许很难让学生理解,我就告诉学生鼻尖以上是“1号位置”,鼻尖以下是2号位置,如果声音掉在鼻尖以下就缺乏共鸣而象平时讲话一样“白”了。于是我自己把歌唱中的歌词用1号位置和2号区分着朗诵和唱,强调1号位置是统一母音的形成部位,即母音主要在大牙、舌根、软腭、后咽壁之间形成,不能随意的象语文老师领读那样把“i”“e”位置靠前,“a”的位置靠后,“o”“u”的位置再靠后,而是把每一个母音都推到1号位置。可以说学生的读字比唱词的声音更重要,因为扎实的读字是正确发声的基础。学生会“读”了再去模仿老师的1号位置歌唱,渐渐地学生掌握歌唱的共鸣,懂得了歌唱必须寻求1号位置才能取得声音的和谐统一。

英国声乐家金·帕默尔说:唱歌必须自然地进行,美好声音的产生就在于充分发挥乐器的美和经过严格的训练。唱歌是创造乐器的过程,老师教学生其实是制造一个歌唱的发声乐器并去演奏这个乐器。学生没有天生具备乐器所具有的音域、音色、音量。老师就要耗时间费精力去正确传授,让学生形成一个良好的歌唱发声习惯,并长期坚持在正确理论指导下发声,使学生发声系统的各器官肌肉的运动能力和协调能力不断加强,在看似十分单调的发声练习中不断完善和提高声乐发声技巧。还要根据不同学生的生理条件和接受能力去因材施教,探究适合不同个体发展的捷径,真正让学生掌握有气息支持、打开喉咙、高位置的歌唱。这样,歌唱中的音质、表现力等其他问题就容易进一步教学了。

1.连音转音:这种是我们最常见的,很多歌曲依靠旋律的起承转合,让歌手发挥这方面的转音魅力。这种转音的练习相对简单一些:首先要做好基本的音阶练习,在把握好每个音符的基本音准后,针对每个基本音阶升半调和降半调音阶进行练习。在习惯和把握之后,再找些具备这种特征的歌曲片断来集中练习,试着跟着伴奏一句句来唱。

2.真音转假音:真音跟假音是两种不同的处理系统,就有如Fm与Am波段的不同,经过适当的调变,真音唱罢,通过呼吸的调换,使气管扩张进行转音,这种转音需要在找到自己的真假音的换声点后,把假音的低音区练好,再和真声音域重合起来,获得最好的转音效果。

3.口音转鼻音:这种转音在周华健、王菲的歌中最常见。当唱到口音想转鼻音时,需要把口腔封闭,然后用鼻腔发音,再断音。无论是那种转音技巧,若想真正掌握,一定要多研究歌曲里歌手的转音,找清楚里面包含的每一个音,然后尝试模仿。从模仿开始,相信会让你学习转音事半功倍。

什么时候需要“假声”呢当你从低音往上唱,唱到一定的地方感到困难,容易卡壳的时候,那个地方就是换声区了,这时,你必须运用假声才能继续向上唱。练习假声的方法有很多,这里介绍两种简而易行的方法:⑴倒吸气法。当你在唱到换声的地方,做一个倒抽一口气的动作,就好像被人吓一跳的感觉,这时你会感觉喉头会向下,整个口腔会充分打开,此时随着音高逐渐向上,嘴也随着逐渐张开,这时进入换声区会更自然,假声的转换更好听。⑵母音转换法。当唱到换声区的时候,减小出气量,提前让你的声音变弱,这样起到掩盖真音过渡假音的效果。其实换声点就是一个“混声”的问题,就是真假声结合的问题。掩盖一些的声音就是有了假声的成分,但又不能全假,必须与真声混合在一起,声音的衔接才不会有痕迹,声音才不会虚和空。所以学会换声点的过渡也就学会了假声的唱法,而假声位置对唱歌、解决声音的统一是大有好处的。有一点必须强调,当你感到真声用尽就要换成假声时,千万不要就此放弃。只有把握机会,勤加练习,真假声转换才能如你所愿哦。

颤音(Vibrato)作为一种音乐表现的重要手段,可以大大增添乐曲的层次感。意大利声乐学派更提出:歌唱中是否有颤音是检验美声唱法的试金石。我们可以通过从有意识的“摇唱”再过度到自然的颤音,慢慢仔细体会颤音的感觉,从而开始颤音的练习。

首先发出长音,并活跃地抖动双手。抖动双手时需温柔、松弛,从上到下或两边运动。然后再以快速温柔的节奏抖动双手。找到颤动的感觉之后,慢慢停止抖动双手,继续发声并尝试延续颤音的效果。在过程中如果颤音有所流失,就再抖动双手,让颤动感觉始终相伴。如果觉得生硬,可以想想东北地区车把式口中“得儿驾”的发音,在音节当中体会舌头的颤动。通过这样一个从不自然到自然的过程,我们就可以开始慢慢体会颤音。颤音最应关注的是气息的颤音,这是一种基于丹田的`气以强弱的不同给予声带不同力度的冲击形成的颤音。通过练习“羊声”可以帮助你掌握颤音的技巧。羊声主要是以鼓动肚皮来控制气息,就像哭时抽泣的状态,如果你唱歌时感觉不光喉咙在动,肚皮深处也在随气息动的话,说明你羊声练到家了。学会了呼吸,掌握了技巧,剩下的就是多听多练了。

当你在K房里脸红脖子粗地吼着“死了都要爱”的时候,是否心中也在梦想自己能像信那样在高音上游刃有余呢你可以先用喊的方法测出自己可以唱到的最高音。用两只手的食指按住耳朵突出的那块软骨,你会找到手下接触的骨头会跟随着你的嘴一同运动。这时尝试发出的最高的“啊”音。有没有发现你现在发出的最高音和你平时唱歌所达到的高音比还是有很大提升空间的呢既然发现了目标,那我们就一起努力练习吧。

首先挑出一首在你音域范围内适合你的歌曲,然后用逐渐升调的方式轮唱它。一开始你会习惯性地扯着脖子吼,嗓子会很疼,高音区很容易唱破,那是因为你在用喉咙唱,而不是在用丹田发音。其实音越高时,我们越要把气往下沉。高音就像水泵压水一样,向下发力激出向上的力,而不是向上拔,这就是为什么那些实力唱将们在唱高音时身体常常向下蹲的原因。初学者可以利用双手叉腰,借助腰部力量,把气吸到腰的四周,感觉到前后腰部膨胀起来,这时你就可以形象地体会到“气沉丹田”的感觉了。声乐训练特别需要时间,奇迹是没有的。当我们拥有了自信,知道了原理,只要勤于练习,相信成为高音达人,称霸K房,也是指日可待的哦!

气者,音之师也。掌握呼吸,是我们拓宽音域的关键。呼吸的方法有三种:⑴上胸式呼吸,它吸气量少而浅,是一种需要纠正的、不好的呼吸方法;⑵腹式呼吸,它吸气比前者要深,但声音缺乏灵活性,并出现音偏低的现象;⑶胸腹式联合呼吸,这种呼吸法是声乐最提倡的呼吸方法,有两种常用的方法可以帮助我们学习。

②慢吸慢呼:想象收到一束喜爱的鲜花,你高兴地在闻花的芳香,这时你会发觉你的胸廓自然地而不是人为地向前、向上抬起,而肋肌包括腰部同时向四周扩张,保持这样状态,后慢慢送气。送气时想到吹蜡烛,将燃着的烛光吹倒,但不吹灭,然后再换气。掌握了呼吸的方法之后,你可以把C调作为中间调开始分别从低音到高音进行练习,当发现唱到极限时,不妨放松后深吸一口气之后再试试。当找不到唱高音的用气位置时,不妨弯腰九十度,两臂放松自然下垂,两脚略分开,站稳后吸入气息,感觉到腰两侧与后背的膨胀感了么,这就是唱高音用气的正确位置。

首先,我们要学会掌握气息支持点。这个点在横膈膜及下肋两侧的位置,当我们咳嗽或笑的时候,就可以清晰地感觉到它的支持作用。掌握了呼吸方法,有了支持点感觉之后,我们就可以避免高音上不去、低音下不来的尴尬情况了。饱满的中低音是最具有感染力的。要想做到饱满和深情,在这之前需要学会中低音的共鸣。这就需要我们了解中低音的发音位置。与唱高音主要靠头腔共鸣不同的是,唱低音时,最需要胸腔共鸣,而唱中音时口腔共鸣则应用较多。唱低音要胸前和嗓子放松,可以试着用“叹气”的感觉和方式寻找加强共鸣的感觉,当然,如果遇到实在很低的地方可以加些气息,就像唱高音用假音的道理,这样可以帮助产生口腔共鸣,这时的声音会感觉更加浑厚。中低音虽然音阶低,但是唱好它难度却不低,这需要我们在重视它的前提下认真地练习。你可以多听听一些优秀的中低音经典作品。

让我们先从有关专家那里了解一下不同年龄阶段的孩子音准发展的水平是怎样的?6岁前,孩子最容易掌握的是歌词,节奏次之,速度第三,呼吸第四,最难掌握的是音准。对音准的把握能力是孩子歌唱能力中发展缓慢的一种能力。若要不跑调,除了要听辨音的高低能力强即听觉敏锐以外,还要有对发声器官进行精确调控的能力及对自己所发出的声音进行自我监听、反馈、调节的能力。这对孩子来讲是有困难的。不过如果发现孩子唱歌会走调,可以考虑以下措施。

(1)想要让孩子唱歌,就在为孩子选择歌曲时,先考虑自己孩子的音域特点,避免所唱的歌曲音域过宽,孩子唱不上去;在歌词方面上,要尽量简单短小、易记,避免孩子在学唱歌时,为了记忆歌词,而忽略旋律、音准,导致走调现象。

(2)让孩子有好的嗓音,就要帮助孩子学习正确的发声方法及轻声唱歌的好习惯。轻声唱歌既可以把歌曲里的情感诠释出来,又能保护孩子的嗓音,使倾听者和歌唱者都有一个美的享受,而且避免了大声唱歌这种非自然的发声方法导致走调情况的发生。

(3)在孩子唱歌时,要尽可能为孩子提供伴奏,可以是乐器,也可以是伴奏带。为什么呢?因为经过我们调查发现,如果在没有伴奏的情况下,很多孩子不能把握独立唱歌时的音准,有时因为自己起调过高或过低,都会导致唱歌走调。

其实,让孩子学唱歌还要在乎孩子的兴趣爱好,如果孩子喜欢唱但发音不准、唱起来走调,会在专业老师的指导很快改更过来。但如果孩子不喜欢,再怎么教孩子还是不会达到理想的状态,所以说,唱歌像其它的娱乐一样,只是用来表达的一种方式,一切还是按照孩子的兴趣来培养,不能一味的给孩子压力,让本来轻松的歌唱变成孩子的一种负担,还是要让其快乐的成长,让孩子想唱就唱,这样也能在唱歌中充分享受到自由和快乐。

有了正确的'呼吸后,便可以开口唱歌了。要使歌声圆润、悦耳,必须利用共鸣。我们唱歌主要利用的共鸣腔体有胸腔、咽喉、鼻腔及头腔,声音要好听,必须在唱高、中、低音时都有部分胸腔以上的共鸣,也就是“声音的高位置”。

要获得声音的高位置,必须放松喉头,内收下巴,这两个器官不能在歌唱中使力。一般人唱高音都是*挤压喉头发声的,这是错误的发声方法,不能获得美妙的声音。应放松喉头,使之成为气息的通道,然后抬起软腭,提笑肌(即保持微笑的状态),使声音能通向鼻腔。

再讲讲麦克风的距离,拿麦克风的距离的变化无非就是音量的变化,所以当你拿起麦克风后不知道音控老师打的音量是大是小的情况下,最好先讲几句客套话来试一下音量,找到合适的距离。当然如果只是跟朋友在KTV玩,那直接“喂”几声就行了。

然后,并住呼吸,把手按在小腹,也就是常说的丹田,用力使丹田鼓起,手要反作用在丹田上,要用力,在鼓起的时候要渐渐用力,不要一下鼓起来,从开始用力到用力到极限,大约用五秒钟时间,然后到最强的时候,持续五秒钟;

人们一般把发声理解为喉头与舌头的位置。以及嗓音的特征。许多歌唱者都有一种最坏的缺点,就是发出喉音或过于靠后的声音。即使体质强壮、最结实的发声器官也经受不住这种声音。这就是许多演员很快就离开舞台或者被迫安于默默无闻的地位的原因。一个歌唱者如果会正确地运用发声方法,那末,四十五岁时应该是他的全盛时时期,并且他可以保持饱满的声音至少到五十岁。到了这个年龄,或者更大一些,就可以准备结束自己的演唱生涯了。一个还具有充沛精力的大艺术家千万不能让观众先觉察出他的能力正在逐渐衰退。为了要求得正确的、固定的发声方法,一必须设法有意识地把咽部打开。不要以为把嘴张得很大就等于打开了咽部。只要稍微懂得一点声乐的人,单靠呼吸就能打开咽部,用不着把嘴明显地张开。但是要正确地打开咽部,必须很自然地张开嘴和放下下巴。当然,在唱高音时必须把嘴张得大一些,但一般说来,它应当保持近似微笑的形状。经常在镜子前练习打开咽邵,并且设法看到口盖,就象让医生检查喉咙时那样,是有好处的。大声发a音时应该感到这个音是在咽的后部形成的,但要注意到在发这个元音之前,咽部必须已经很好地打开。

暑假参加了中国奥尔音乐教学法的培训,这也是我自大学毕业后第一次参加这种教育性质的培训,从事音乐教育工作两年来,自认为在音乐教育这条路上才迈开我的第一步。从我第一次上讲台,不知音乐课从何讲起,胡乱的东拼西凑完成一节课,到拿到优质课的第二名.感觉自己已渐渐步入正轨了,初步了解音乐课的模式.然而,这次学习奥尔夫音乐教学法课后,却发现音乐课的模式远不像我想像的那样一架钢琴、一台录音机、老师稳站讲台,学生端正坐好就算是一节音乐课,这仍然是在传统音乐课的模式中徘徊,不利于学生兴趣的激发,禁锢了学生的创新思维。

奥尔夫音乐教学法的创始人是德国著名作曲家,音乐教育家卡尔·奥尔夫。奥尔夫音乐教育体系在二十世纪流传甚广,对世界音乐教育产生了重大的影响。它在教育行为上是将语言、动作、音乐三元素融为一体,而将三元素紧密连接的核心要素便是节奏。节奏是音乐的骨架,但很多音乐教师认识到这点却不知如何去上好这节课,以至于一讲到音乐理论的东西,学生就会感觉音乐课没有趣味,老师讲得没劲,学生也不愿意听。但是这次培训后,让我从中感受了许多新鲜的东西,从而开始思考自己的教学方法。

身体原本就是一件乐器。我们知道嗓子可以用来唱歌,然而除嗓子外,人的'手、脚、腿、头等都可以做乐器,不但如此,还有高低音的区别。如,捻指可以是高音,因为声音集中,响亮;跺脚可以是低音,声音厚实,还有拍手拍腿等,奥尔夫音乐教学法把这些声势加进来,没有太多的技巧,或理论性的东西,确给教学增添了许多色彩,学生在课堂上完全没有难度的可以做到,并且还能凑成一个多声部出来。在奥尔夫音乐教学中,声势用得非常多,如:节奏训练,用声势伴奏——做固定音型,为奏乐的准备,为学习曲式结构的练习。声势的练习也是学习打击乐器的铺垫,基础。当教师开始用声势引导学生时,那他也开始了节奏的训练,无形中让学生在玩的过程中学到了知识。我们强调将理论的东西淡化,转为实际操作,这样更有利于学生提高音乐兴趣。

奥尔夫音乐教育强调让学生自主参加音乐活动,而不是一味地观看或听。通过学生自由的,自主的设计音乐活动才能真正体验、感受音乐,才会从中有效地达到音乐的教学目的。如在探索声音课堂上,安吉丽娅老师风趣的表演了一段声音戏剧,让我们开怀大笑了一阵,但是我们从中很快知道了声音的魅力,接着她从中选五个人到台上盘腿坐下,每人心中想一个声音,如嗡嗡,喵喵,哎呀,哦,啊等等,但是声音不能与别人相同,而安吉丽娅则当起了乐手,每拍一个人的头时,就会发出一个声响,连续的按节奏拍的话,就成了一曲美妙的乐曲。这个游戏让大家都想跃跃欲试,老师说光只有声音不行,还要有情节。于是大家七八个人一组,自己分工,一些人做声响,一些人表演。展示时,每一组都表现的超乎想像。三打白骨精,嫦娥玉兔,腊笔小星都搬上了舞台,用自己的声音和动作表演了一幕幕精彩纷呈的故事。在这堂课中,老师并没有告诉我们应该如用声音,这个声音应该表现什么,如何适当的加入声音,全是学生自己去想像去创编。得到的效果却极佳。

奥尔夫音乐教学法中的打击乐器是一大特点,因为它强调了节奏,所以打击乐器占有很重要的位置。打击乐器分为鼓类,木质类,金属类,散响类。这四种打击乐器构成了奥尔夫打击乐合奏的基本编制,一般与身势对等的是跺脚——皮革;拍腿——金属或木质;拍手——木质或散响类;捻指——散响类或金属类,构成四个基本声部。在《春节序曲》、《鸭子拌嘴》中,李妲娜老师把这些打击乐器运用的淋漓尽致,前一曲突出了喜庆,热闹,所以尽量将鼓和锣来烘托气氛,而在第二曲中则把原曲改成了回旋曲式,加入了ABC三个插部——引子、嬉戏、尾声,A+B+A+C+A+D+A,而这三个部分都用小镲表现出来,同学们的表演赢得了大家的一阵阵掌声和笑声。当然,这些对于小孩子来说会有点难,但是这种教育方法确实能将音乐课变得灵活,形式多样。

当然,奥尔夫音乐教学法对于中国音乐教育现状来说不能说全盘吸收,有些东西运用起来很困难,就像打击乐器,如多学校考虑到经费问题,不能提供相应的条件,但是其中许多的教学方法是我们应该学习和借鉴,从而更好的发展中国的音乐教育。


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