大提琴名曲大提琴練習中的技巧和運用

发布时间2020-08-01    点击数: 91   作者:立博体育手机app下载

人体是由很多不同大小的关节组成的,从物理学和生理学的角度上讲,立博体育手机app下载最舒服的姿势和最科学的肢体活动,才能造成能使琴弦最大共鸣的力度。右手握弓的时候,其实只是用三个手指,拇指;食指;小指。这三个指头就可以形成一个三角形,保持基本的稳定,有时候我们往往会忽略小拇指,其实小拇指的作用是很大的,在换弓和前半弓运弓的时候,小拇指可以起到食指起不到的作用。若抛开肢体活动不说,想要演奏出完美的音色,需要注意两点,就是力度和弓速。在右手上大臂的力量是最大的,所以我们在运弓的时候一定要学会使用大臂的力量,肩是右手臂的主要杠杆支撑点。肩的力量来自背部腰上的力量再传导到肩上。在演奏时右手的大臂、小臂、手腕和手指一定要使力量上下贯通,在演奏的时候一定要记住什么时候都不能把肩膀扛起来,使身体的力量无法传达到大臂。手肘应该处在左肩膀和身体一侧中间一半的地方,手腕不要过分的灵活,在我们换弓的时候一定要注意不要妨碍弦的震动和力的运用;演奏者要掌握好弓速,才能演奏出自己所希望的表现力,这些都需要右手在运弓时对弓速的良好掌握来配合的,练习时要将长短弓进行时值一样的搭配练习。

在练习的过程中,经常会出现一些违背自然生理规律的现象。如握弓手指僵硬、大把抓,拇指和其余四指都立起来,四指紧并,捏着弓杆,或握弓太浅、过深等,这样都是会影响琴弦的震动,无法传出乐音。还有一种情况就是用大臂的力量将琴弓往下压,想用蛮力使琴弦震动,这样都是错误的。在我们练琴的过程中,总会听到这样一个名词,叫“解放右手”只要有一个关节僵住,运弓就不能通畅。此时,应该运用手臂本身的重量自然地放到弓杆上,通过弓杆马尾放到琴弦上,这是运弓的第一步,是非常重要的。用重量运弓和加肌肉压力是两个不同的概念,不能混为一谈,但两者是密切联系的。在运用重量的前提下,根据力度需要适当增加肌肉压力。若两者概念不清,在不能使手臂放松和不会运用重量运弓的情况下,想加强力度就会出现死压肌肉的现象,从而超出乐器本身所能承受的范围。一味地追求音量效果,就会出现“死压弓”,发出极不自然甚至刺耳的声音。经验证明,这种毛病是运弓的致命伤,是发音好坏的关键所在,所以必须注意。我们都知道,两个物体在垂直的时候是摩擦力最大的,所以琴弦与弓要保持垂直才能最大化的震动琴弦,我们在练琴是看到的弓与琴弦的垂直其实是不垂直的,如果我们在镜子前练琴能过发现了,练琴中我们看到的垂直其实是弓尖在上,弓根在下,所以我们练琴时,运弓到弓尖,就应该自然的将手臂往外延伸,这样才能使弓和琴弦保持最垂直的状态,从而达到最好的效果。

在手腕方面,还应注意的一点就是手腕的姿势,现在流传着两种说法,一种是手腕持平,用整个手掌压在弓上,另一种是手腕立起来,靠手指的张力扒住弓,那么着两种方法哪一种是正确的呢。我认为将手腕立起来,不仅能使力量更好的传导到弦上,还能使手腕灵活,解决手腕灵活度的问题的.同时,页可以解决力度问题,一举两得。手腕立起来还有一个好处,就是可以自然的将弓毛完全贴在琴弦上,使琴弦完全震动起来。在这之前,我的手腕不慎扭伤,导致手腕没法正常弯曲,这就给我带来了很大的困扰,因为我在拉琴的时候是习惯立腕,受伤之后手腕就不能立起来,只能持平,每次练琴的时候,拉一会手就会变得非常酸,而且明显感觉力度用不上,或许是因为习惯了立腕的动作而不适应手腕持平。但是这却又一个好处,以前我在运弓的时候,换弓的一瞬间我的手腕会甩一下,现在手上绑着绷带,倒是把这个毛病解决掉了,尤其是在练习巴赫无伴奏第一组曲的前奏曲时,不会像之前那样因为手腕和小臂用力不同而混乱,这也就引申到了下一个问题,手腕的松弛度。

在姿势和力度都保持正确的前提下,现在就来说说右手的练习。著名大提琴家卡萨尔斯曾示范过一种大提琴右手练习的方法,就是用慢速一弓四个音来拉奏渐强减弱的音,甚至一弓六个音,八个音,十二个音,通过这样的练习,可以把手臂的力度全部集中在食指,拇指和小指上。从而也能解决肩部紧张,手臂紧张的问题。还有一个最好也是最简单的方法,就是练习空弦。因为空弦练习的时候可以把注意力全部放在右手上,每一个动作都可以注意。从一弓一个音四拍的慢练到一弓四个音、八个音,根据不同的速度来选择不同的力度和姿势,不管一个音还是八个音,都用全弓来拉奏,保持弓根和弓尖的力度一致。例如《波帕尔高级练习曲40首》中的第二首,在练习的时候就可以用这种方法,可以将一小节分成四弓,每一弓拉四个十六分音符,通过练习慢慢的变成一弓八个十六分音符,到最后拉奏完整的一小节。这也就是为什么《巴赫无伴奏第一组曲前奏曲》有前连弓后分弓的版本了,这样可以既保持乐句的连贯又能解决因为弓尖力度和弓根力度不好控制的问题。

基本上所有的乐器都需要左右手的配合,那么大提琴也不例外,在大提琴的演奏中,左手担负着最重要的使命。首先,也是最重要的,就是音准,音准是表现音乐的最重要的条件;音乐不同于别的艺术,不像绘画,雕塑或是写作,音乐是瞬间的艺术,不能修改的,在演奏的过程中,只有一次,不能返回去再改变。所以这对我们的左手要求就非常高了,如果有一个音不准,那都是毁灭性的错误。其次就是左手的的颤音,也就是揉弦根据作品的不同要做出不同的变化。如果乐曲需要表现悲伤的色彩,我们可以用幅度比较大而且频率慢的揉弦。如果是欢快的乐曲,我们则应该使用快速的揉弦。而且在低音区的揉弦与高音区的揉弦也应该有所区别。高音区,音频高,声音亮。很容易被人接受。快而短促的揉弦停起来非常悦耳。而低音区,由于音频宽,短促的揉弦实际上起不到什么效果。这就需要左手完美的控制揉弦的力度和频率。最后,也是我们经常会忽略的一个问题,就是左手手指的力度,相信大家在初学的时候都联系过打指,就是手指用力打弦,打下去就放松,从一拍打一下一直练到打很多下,这样练习是为什么呢手指打弦的力度上去了,便有了颗粒性,什么叫颗粒性,也就是我们通常所说的干净,有的人手指不干净,拉出来的东西总感觉是一滩烂泥,而有的人拉出来什么音就是什么音,干净而清晰,这就是左手手指的功夫。

一些教师在教学过程中也常常忽略这一非常重要的问题,教师对作品的不理解,导致了学生也无法正确的理解乐曲,到最后,学生对乐句的认识模糊,处理作品缺乏音乐的律动性和歌唱性,让人感觉到紧张和不自然,也缺少了作品应该表达的思想感情。我们知道,音乐是一门时间的艺术,在时间中展开又在时间中结束。演奏者对于呼吸时间的把握,应该考虑到音乐本身的节奏特征和律动特点。演奏者要善于体会这种感觉,只有这样才能掌握好呼吸的时间。在演奏一句长达几十个小节的大起大落的旋律时就必须以舒缓而绵长的气息为根本。同样,在需演奏情绪高涨激昂,或者速度较快的一段乐句时,演奏者本人的呼吸也应该相应加快,到高潮音之前的呼吸可以较深一些。但不管怎样,演奏者本人的呼吸与乐句的呼吸在根本上应该是一致的,而且与乐段乃至整首乐曲的呼吸也应该是和谐统一的。此外,对于演奏中呼吸的掌握,应先把乐曲演奏熟练完整的情况下,通过反复哼唱乐曲的旋律来深入体会乐曲的断句,然后将它运用到实际演奏中去,将自身的呼吸与音乐的呼吸融为一体。只有这样,才能达到表现音乐内涵的目的,才能将音乐作品演绎得淋漓尽致。

拇指自然弯曲(让右手虎口处的肌肉相对放松),放在弓杆包钢丝的皮子上,姆指尖部右侧触皮即可,(另外,可根据弓杆重量和手感在此加包一块皮子,因人而易)不必过深。中指与拇指相对,中指的指尖可以碰到弓毛,也可在弓毛之上。中指的关节(第一指甲的关节和第二其后的关节)形成拱形贴在的弓杆上的皮子上。无名指稍微弯曲放在马尾箱的金属圈部。食指与中指分开一些,(第一指甲的关节和第二其后的关节)接触弓杆。小指可摆在花扣处。还有一种常用握弓,五个手指后移壹指宽的距离,拇指放在弓杆和马尾箱间的犄角处,中指放在马尾箱的金属圈部。握弓时五个手指都可以调动,有时手指往弓尖方向倾斜一些,有时手指与弓几乎是垂直的,有时......我们总是在运动中变化。在运弓拉琴前,往往把弓子捏死了,再去练放松,还有用吗

人在自然状态下,腰部是最有力的,坐着拉琴时,这种力通过肩臂肘腕指传送到弓弦接触点。在运弓拉琴时,本能的第一动作是大臂的运动,这样在它的带领下,整体不零散的动作开始了运行。横向的运弓一要直、二要平、三要稳。换弦时,由于琴码是拱形面的,在运弓时形成了不同的角度(面)。而“面”是由“点”组成的.,在琴上,琴弦面共有七个,即单音的A、D、G、C四个弓弦接触点组成的四个面和双音的AD、DG、GC弓弦接触点组成的三个面。琴弦充分的振动是在弓与弦成90度(直角)时,由于琴弦的排列是弧形,就要做到四根琴弦的90度振动夹角,从持琴者的视角来看,弓子与四根弦的内夹角是不同的。即在A弦时内夹角大于90度,D弦上等于90度,这时候是水平运弓,G弦上小于90度,C弦上小于45度。只有按这些角度演奏四根弦,才能保证每根弦的充分振动。而对于双音的AD、DG、GC三个面,两个音作为一个平面擦弦振动。在运弓拉琴时,遵循一些基本的原则就能够让音乐作品赋予生命吗音乐表现的前提是想象力的丰富,这样对音色的想象也有了不断的要求。音色如同画家的颜料,颜色,厨师的油盐酱醋一样,调和着色彩和味道。

一个好的演奏者,不仅需要一个好的左手,而且需要一个善于使用压力的敏感的、细微而灵巧的`右手,因为在大提琴演奏中,作品的感情、思想因素主要是通过右手来表现的,演奏者全身心地投入与之配合,以求声音的平均、统一,具有歌唱性。从某种程度上说,左手受听觉支配,完成把乐谱忠实“还原”的任务;右手则受心灵指挥,把作品的内在情感和演奏者的体验发掘出来。右手运弓力度、速度、间歇以及各种难以察觉的细微变化,使作品的灵魂从演奏者心中进发,流进欣赏者的心田。除此之外还需要一定的体态与之配合,演奏过程中,感觉到自己的整个身体都在进行演奏,身体各个部位的适当紧张或松弛,整个身体姿态的细微调整、变化,都有助于右手运弓和感情的宣泄。当然,全身的配合和体态的变化要以不外露、合乎规范为界限。

发音的关键在于音头,也就是说在运弓时,要有一个好的、正确的起奏。因为只有好的、正确的起奏,才能使琴弦产生规则的、充分的振动,从而发出优美纯正的声音。由于起奏的音有强有弱,当然不能一概而论,安静柔和的起奏,要以柔和的力度和较少的弓毛,从非常接近琴弦的地方开始运弓:热情有力的起奏,运弓可事先加上压力,并配以快的运弓速度,让弓“咬”住琴弦,发出刚劲有力的声音。有时,右手音质的好坏与左手有关,比如,作品要求拉一个特强音的时候,需要左手大幅度颤指加以帮助,否则,声音干枯而无厚度。在运弓过程中。单纯由手臂和手腕来摆动是不够的,右臂的力量应当来自背部的肌肉,由背部传输到大臂、小臂和手腕、手指。只有这样,大提琴发出的声音才是浑厚、凝重和具有穿透力的。

演奏中的力度也是至关重要的。在演奏中,力度的使用是千变万化的,一个好的大提琴演奏家,为了奏好一首作品,他对音质、音色及强弱力度变化的追求是没有止境的。那么什么是一种好的声音呢从普通意义来讲,它是具有活力的、松而丰厚的声音,绝不是死压出来的僵直、干瘪的声音。我们在演奏中所需要的大的音量,必须建立在轻松、渗透力强、表现力丰富的基础上。右手手臂是一个整体,力通过肩、肘、腕和手传到弓子上,再利用弓子到达弦上,如果其中某一关节紧张,势必阻碍力的运行,所以要经常注意放松,但放松本身不是目的,放松的目的是让力通行无阻,也就是“通”,但是过松也会防碍“通”。如手指太松就控制不好弓,影响力的传递;肩和肘过松造成手肘过低,力不容易传递到位等。因此,完全放松的状态并不是良好的状态,只是一个休息的状态。我们应该具有一个很好的工作状态,这种状态本身需要一定的紧张度,就像一部自行车,要它运转良好,必须将它的每一个螺丝拧紧一样。在演奏中不可能只用一种力度,必然有张有弛,有紧有松,但不论张或驰,紧或松,都要以“不防碍力的运行”为原则。右臂的用力,其“放松”的含义是“顺畅自然”,其“紧张”的含义是“激越昂奋”,这样才能达到尽可能大的自由。


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