高考樂理試卷如何有效的利用排練時間

发布时间2019-12-30    点击数: 117   作者:立博体育手机app下载

英亚国际對于樂隊或者做音樂的人來講,最有效率、最出成績的就是大家在一起排練了。通過排練,每個人都能獲得與其他人在音樂上交流的機會,盡情地表達自己在音樂上的想法和體會,而且通過排練還可以不斷地提高自身的技術水平。可以說,排練是每個音樂人必做的功課。隨著音樂愛好者和樂隊如雨后春筍般的不斷涌現,很多城市都相應地出現了專門用于樂隊排練的地方排練室。設備一般也都比較齊全,擁有公用的鼓、镲、吉他和BASS音箱以及擴聲音箱等等。條件好的甚至有空調、調音臺、數字多軌錄音機等等。但是一般這樣的排練室的收費不會很便宜,雖然樂隊每個人可以均攤排練費用,一個月下來對于預算不是很寬裕的樂隊來說仍是一筆不小的支出。所以如何有效地利用排練時間,能夠在最短的時間里達到最好的排練效果是每個樂手都要考慮的問題。因為高質量的排練不僅僅是節約了寶貴的時間和金錢,對每個樂手或者樂隊來講也是一件非常享受的事情。

演出性排練,也就是樂隊將面臨著演出,為了獲得滿意的演出質量,才來進行的排練。像這種排練,是最容易節省時間的辦法,因為首先對歌曲來講,每位樂手都基本上已經了然于胸了,只是在某個環節或者什么地方不是很熟悉,不過這不要緊,主要是對樂譜或者歌曲的段落不熟練,排練正是要解決這些問題。那么怎么能有效地進行排練呢?其實很簡單,每位樂手在家里的時候不要光顧著練琴練鼓什么的,每天練習的時候最好把自己樂隊的作品或者要演出的作品自己在家里反復地練習幾遍,尤其是對于自己不是很熟練的地方或者技術難度比較大的地方,只有這樣,每個人才能在排練的時候盡量少出錯誤,才能更好地注重音樂性和整體性。筆者有時候在看演出時經常發現臺上的樂手會很緊張,演奏起來面無表情,顯然是在完成他所演奏的東西,而音樂的感情、段落、呼吸等等就顧不上了,嚴重的時候還會破壞音樂的整體感覺。發生這種情況就是因為樂手對自己所演奏的東西還不是百分之百的熟悉,演奏起來沒有達到得心應手的地步,而這正是自己在家里練習不夠所造成的。所以,在排練之前每個人最重要的事情就是在家里先把要排練的或者要演出的東西反復地演奏,這樣排練起來的效率會成倍的提高。那是不是大家都熟練了,排練的時候簡單地過幾遍就可以了呢?不是的。因為演出的時候,臺上所有的樂手是一個整體,是同時在完成一件作品。為了更加完美地完成這個作品,所以在排練的時候每個人在自己不出錯誤的同時還要仔細地聆聽其他樂器的聲音。對于旋律樂器來說最應該注意的是鼓和BASS,因為這兩個是節奏的基礎,而鼓手和BASS手就應該互相聆聽對方的聲音,從而找到一個共同的律動感覺。這樣才能把音樂的節奏和律動做好,而且同時還要注意音樂的段落和色彩,通過不斷地調整自己的感覺來達到和音樂最匹配的地步。這樣的話無論是在排練還是演出,音樂的整體感都會非常好。

另外,雖然是在排練室里排練,并沒有真正面對觀眾,但是每個人都要想象一下真正演出時的情景,把自己的心情最好能調整到和演出時一樣,這樣就會變得有激情,而音樂也會變得非常有感染力。很難想象一支好的樂隊在排練室是死氣沉沉的,而一到了臺上就會激情四射,所以在排練時一樣也要培養演出時的情緒。這樣做還有一個好處,就是在你激動起來的時候減少犯錯誤的概率,讓演出效果更好。還有就是演出性排練時最好能把上場后的情況都考慮到并且模擬一遍,比如歌手應該說什么話,在第幾首歌的什么位置會加入某個樂手的即興solo等等,模擬得越細致,演出的質量也就越高,演出的效果也越好。我們看到國外樂隊的現場演出非常好,那就是因為在臺下他們把每一個環節都想好怎么去做了,甚至連走路的路線和步伐都設計好了。還有一點,就是每個樂隊在演出之前最好能去彩排一下,也就是俗稱走臺,因為這是實際了解演出場地點狀況和音響設備狀況的好機會,跟音響師做必要的溝通也是必不可少的,這些都是演出性排練的一部分。

顧名思義,當然是樂隊馬上要進錄音棚來錄制專輯或者單曲一類的作品。在進錄音棚之前,樂隊必須要進行很多很細致的排練工作,從而確保錄音的質量和節省時間(因為錄音棚的費用更高,實在是不敢在棚里浪費時間)。那么錄音之前的排練就顯得至關重要了,因為這直接影響到作品的品質。以筆者的樂隊為例,由于我們經常會到錄音棚錄音,所以每個樂手都非常有經驗了。首先,在排練之前每個人依然要在家里先把要錄音的東西反復地演奏,然后在例行的排練時,我們每個人都會把要錄音的作品中的自己的那部分樂譜寫出來,然后按照樂譜反復地進行共同排練,可以說要把每一處細節都要考慮得清清楚楚,并且演奏得沒有絲毫問題了才可以。還有一個很重要的問題就是樂器的solo,尤其是電吉他、鍵盤等樂器,可以說經常會有大量的solo在音樂里面,所以在錄音性排練里要格外地的重視solo,應該說要把每一首作品的solo都要事先編寫完整,每一處轉折、每一處過門都要編寫得很詳細,而且排練的時候還要把solo單獨提出來進行練習,看看和弦是否正確,整體的結構對于音樂作品來講有沒有什么影響。對于難度比較大的一些solo段落更是要反復練習,不斷地熟練它,這樣做不僅會為錄音節省大量的時間,而且對于自己來講也是一個快速提高技術的方法。不過錄音時的solo最好能夠跟現場演出時一樣,這樣對于樂隊來講作品的完整度更好。對于那些即興成分比較大的,自由度比較高的段落,在排練的時候可以按照不同的想法來排練出幾種不同感覺的東西來,然后都進行熟練的練習,這么做的好處是在棚里錄音的時候可以迅速地把幾種不同感覺的東西全都錄下來,然后進行比較和篩選,為縮混留下非常好的素材。

創作性排練是每個樂隊最重要的一種排練方式,因為幾乎每個樂隊都會在這種排練的方式下產生無數新的動機、新的想法,往往一首精彩的作品就是在這種排練環境下產生的。而且創作性排練是排練方法里面自由度最高的一種,有時候大家會隨心所欲地演奏一些東西,然后逐步地跟進。也正是由于自由度很高,這種排練方法很容易變成聊天會,時間花了不少但是成果并不多。有的人覺得既然是來創作,在家里就不用做什么準備,其實這也是不可取的。為什么呢?因為我們每個人在家里練習的時候也依然會有靈感的火花迸發出來,而且這些火花也許是非常精彩的,然而了排練時由于沒有做準備很可能會想不起來了,而勉強想起來也往往失去了當時的那種感覺,這豈不是很可惜?所以,在家里的時候,每個人都要進行單獨的創作工作,如果有好的想法或者動機,哪怕是一句聽起來很特別的旋律,都要馬上寫下譜子來,然后還是要反復地演奏這個東西。也許在演奏的時候就會有更多更好的想法不斷涌現呢。當然,在演奏的時候也不能單單想著這個東西,拿吉他手舉例來說,當他在彈奏的時候,還要考慮BASS怎么去彈,鼓怎么去敲才能和這段東西達到一致,也就是說不僅僅要考慮旋律或者和聲進行,還要進行一定的編曲工作。如果家里有條件可以用電腦來進行最簡單的編曲,因為這樣能夠初步地聽出整體的感覺,便于日后排練。

前面說的只是每個人在家里應該進行的工作,那么排練的時候呢?每個人就可以把家里已經成形的東西拿出來,讓大家來聽聽,交流一下,看看有什么更好的想法。而且最好的方法是大家按照這段動機來排練一下。在排練的時候如果大家都覺得非常有興趣或又有了更加精彩的動機的時候,就可以一直進行下去直到某一個段落結束為止。這樣的排練任何人都會覺得非常有意思而不會覺得枯燥。很多人在創作性排練的時候總是覺得每個人的想法都南轅北轍,總是難以統一,其實這也是因為交流不夠,在排練的時候應該先把自己要表達的意思完整地表達出來,然后說一說自己的想法是什么,這樣大家就會能夠更快地理解并且融入到音樂當中去。當然了,每個人都會有自己的想法,能夠聆聽別人的想法也是提高排練效率的好方法。

鋼琴被稱為樂器之王,小提琴則是樂器之后。小提琴藝術的發展是和小提琴的制作與革新休戚相關的。此舉的有功之臣是意大利著名的提琴制作師安東尼奧·斯特拉第瓦利(16441737),他將小提琴持琴法從膝頭移至夾在顎部。此外,在小提琴制作史上還有兩個偉大的人物,他們是阿瑪蒂和瓜爾涅利。這三位提琴制作大師均居住在意大利北部的克雷莫納小鎮。現在,出自克雷莫納三位制作大師之手的提琴,往往價值數10萬元。它們之所以如此昂貴,除了音樂上的實用價值外,本身還是一件造型優美的藝術品。

木管樂器從雛形到基本定型,經歷了幾個世紀,在改革發明者中成就最大的是德國慕尼黑的長笛演奏家、樂器改革家塞奧爾德·波姆。他試制成功了環鍵式長笛,設計了一整套合理的新指法,并從理論上取得了長笛近吹口四分之一部、管徑接近于拋物線的精確數據,把管體的四分之三改為圓柱形管,使長笛的有效管長達到管徑的30倍,從而使各音的八度關系都準確了。此外,他還把橢圓形的吹孔改成圓角矩形,并加大了音孔的直徑,使音色更豐滿、明亮。后來人們稱他研制的長笛機械機構體系為波姆體系,并移植到其他木管樂器上,使木管樂器的結構基本達到完善。

美國人托馬斯·阿爾巴·愛迪生在1877年設計的留聲機,是世界上最早的錄音裝置。同年12月6日,愛迪生的助手、機械工人約翰·克盧西制造出了第一臺樣機,并用這臺樣機錄制了愛迪生唱的歌《瑪莉的山羊》。1878年4月24日,愛迪生留聲機公司在紐約百老匯大街成立,并開始銷售業務。他們將這種留機和用錫箔成的很多圓筒唱片配合起來,出租給街頭藝人。最早的家用留聲機,是1978年生產的愛迪遜·帕拉牌留聲機,每臺售價10美元。

1755年,23歲的奧地利作曲家海頓受聘于馮貝格伯爵,在宮廷里專職作曲。當時的器樂曲流行用由兩只小提琴合奏同一旋律,用大鍵琴伴奏。由于大鍵琴的音量較弱,低音部分有時就得用大提琴來加強。馮貝格伯爵的樂隊一共只有四個人,兩個小提琴、一個中提琴和一個大提琴,沒有大鍵琴。這樣的一個樂隊編制使海頓頗傷腦筋。經過反復的研究,他把兩只小提琴分為兩個聲部,讓中提琴充當內聲部,使和聲效果更為豐富,徹底用大提琴替代大鍵琴來演奏低音部。于是,第一個弦樂四重奏團成立了。

芭蕾又稱舞劇,是舞蹈、戲劇和音樂的綜合,是在音樂的配合下,用舞蹈和啞劇來表現藝術形象的舞臺藝術。啞劇即不用臺詞而以動作和表情來表達劇情。最初的芭蕾是在十六、十七世紀的意大利和法國宮廷中,以民間舞蹈為基礎,開始發展起來的。后來進入劇場,常常穿插在歌劇和各種戲劇中。到十九世紀初,才發展成為一種獨立的藝術;但在十九世紀以后的歌劇中,還是經常包含著芭蕾。最初,芭蕾音樂是按照舞蹈設計寫作出來的程式化的東西。彼此之間沒有密切的聯系。后來,作曲家們對芭蕾音樂作了種種改革,使音樂服從于戲劇內容的表現。

法國作曲家亞當作曲的《吉賽爾》,就是在音樂中體現戲劇構思的早期浪漫主義芭蕾的重要作品。為了加強音樂的表現作用,他在《吉賽爾》中第一次把主導動機的原則,運用于芭蕾音樂。《吉賽爾》描述青年農民盧瓦和農村姑娘吉賽爾相愛。當吉賽爾得知盧瓦就是和巴梯爾德公主訂了婚的西里西亞公爵阿爾布累希特時,馬上昏厥死去。她死后成為女鬼,仍然不忘和伯爵的舊情;當伯爵為一群女鬼包圍時,吉賽爾救了他的性命。《吉賽爾》是一部分為二幕、由十六個分曲組成的傳統芭蕾。在簡短的開始曲以后,種植葡萄的山村農民們,隨同木管樂器上的一個鄉村曲調,愉快地穿過林中空地。然后壯麗的樂隊全奏,宣布公爵登場。他化妝為青年農民盧瓦,走向吉賽爾的農舍。他敲敲門,沒有人回答。這時吉賽爾隨著弦樂器上輕快的旋律,從樹林中跑回來。

法國作曲家德利布作曲的《葛蓓莉婭》,是標志著浪漫主義芭蕾進入成熟階段的重要作品。《葛蓓莉婭》的音樂以旋律優美生動、配器清澈明朗而引人入勝,是傳統芭蕾音樂的代表作。劇情敘述年輕的法朗茲對漂亮的少女葛蓓莉婭著了迷,引起了他的未婚妻斯旺尼爾達的妒忌。后經斯旺尼爾達揭穿,葛蓓莉婭原來是玩具制作師葛白留斯所造的一個玩偶。一對情人重歸于好,結成了夫婦。這部芭蕾分二幕三景,由二十個分曲組成。最后一個分曲是慶祝婚禮的一組游藝舞。

在芭蕾舞劇中,舞蹈一般分為古典舞和性格舞兩種。古典舞表現手法精致,藝術概括力強,而性格舞則富于生活氣息,也能表現鮮明的民族色彩和人物性格。游藝舞就是由一連串各自獨立的性格舞組成的,它與劇情的發展不相關連,目的是以一系列互相對比的、豐富多彩的舞蹈,給觀眾以美的享受。《葛蓓利婭》第二幕第二景描寫法朗茨和斯旺尼爾達的婚禮,游藝舞是這一景的主要組成部分,包含八首舞曲:第一首《時光圓舞曲》是一首復三段式的圓舞曲,交替著群舞和獨舞,在第一段和第三段里,響徹著嘹亮的鐘聲;第二首《曙光舞》,是由四個舞蹈女演員跳的。木管樂器、弦樂器和豎琴奏出安靜的音樂,漸漸進入高潮,通向第三首舞曲《祈禱舞》。《祈禱舞》由加弱音器的弦樂器、木管樂器和豎琴奏出莊嚴和平的曲調,伴奏著一男一女的舞蹈。第四首是《勞動舞》,充滿動力的音樂宣告工作的時間已經來到;快速旋轉的音型,描寫紡車的輪子不停地轉動。第五首《婚姻舞》描寫鄉村結婚的風俗情景,愛神丘必特也來參加婚禮,音樂生氣蓬勃,具有旋轉舞的律動。第六首《和平舞》,是由二男二女跳的大雙人舞,在木管樂器主奏的安靜的引子以后,出現了中提琴獨奏的抒情行板。隨后是短小的《節日舞》,奔放活躍的音樂,伴隨著歡快的群舞。最后是大型群舞《加洛潑》,這是一種快速的二拍子輪舞,每一樂句的句中和句未有跳躍的滑步。在十九世紀的芭蕾中,圓舞、加洛潑、馬祖卡、波洛涅茲和進行曲,都是最常用的傳統舞蹈。

舞劇中還常常有獨舞和雙人舞,它們象話劇中的獨白和對白一樣。波蘭作曲家明庫斯作曲的《堂·吉柯德》第四幕中的雙人舞,意圖表現西班牙作家塞萬提斯的長篇小說《堂·吉柯德》的主人公的一種幻想,是由鄉村姑娘羅任索和她的舞伴跳的。羅任索是堂·吉柯德想象中的情人,他稱她為美人杜爾西內婭。這個雙人舞所要表現的,是一個想象中的美人,但按照她的真正的性格,是一個土氣十足的鄉村姑娘。雙人舞由一男一女表演,音樂和舞蹈都有一套特定的程式,通常包含慢舞、男子變化舞、女子變化舞和尾聲四部分。跳慢舞時,女演員在男演員的支持下,做出各種造型姿勢和平衡動作。緊接著的兩個變化舞,是一種富于表情的獨舞。最后,在快速的尾聲中,以熱情洋溢的雙人舞結束。《堂·吉柯德》的雙人舞從優美的圓舞曲開始,然后是抒情的慢板音樂,伴隨著慢舞。隨后的男子變化舞是短小的圓舞。女子變化舞是活潑的雙拍子舞蹈。末尾逐漸加快,進入尾聲。男演員參加進來,成為雙人舞。明庫斯善于寫作緊密配合舞蹈動作的音樂。《堂·吉柯德》的雙人舞音樂,是他的芭蕾音樂的代表作。

二十世紀初,當浪漫主義芭蕾趨于僵化的時候,俄國編導佛金、尼金斯基、馬辛等人對芭蕾進行了革新。佛金編導的《仙女們》,采用俄國作曲家格拉祖諾夫根據肖邦七首鋼琴曲改編的管弦樂組曲《肖邦尼亞那》作為芭蕾音樂,用舞蹈來表現音樂的意境。《仙女們》取消了一切庸俗的裝飾和程式化的舞蹈設計。演員一律穿上白色的舞服,輕盈妙曼的舞姿充滿詩情畫意,舞蹈動作和音樂的韻律配合得絲絲入扣。1909年在巴黎初次演出后。被評為恢復了浪漫主義的真正精神,至今還是傳統芭蕾的保留節目。

《仙女們》沒有故事,沒有戲劇情節,編舞者根據管弦樂組曲《肖邦尼亞那》編成了一級音樂化的舞蹈。肖邦的七首鋼琴曲,包括前奏曲和夜曲各一首、馬祖卡二首和圓舞曲三首。其中三首圓舞曲,按照音樂的性格和意境,分別編成獨舞、雙人舞和群舞。復三段式的降G大調圓舞曲兩頭輕快活潑,中間婉轉如歌,配合輕盈妙曼的女子獨舞。舞者把優美生動的旋律,化成纖巧靈活的舞蹈,包括凌空越步、旋轉越步和兩腿相擊的跳躍動作。音樂和舞蹈相得益彰,融為一體。回旋曲式的升c小調圓舞曲,配合富于詩意的雙人舞。音樂分三大段,每六段又分兩小段。都是前慢后快。舞者交替著抒情的慢舞和輕快的圓舞。在慢舞中。展示出托舉和迎風展翅等優美的舞姿。所謂迎風展翅,就是上身向前傾倒,一條腿向后平舉的造型姿勢。

大型復三段式的降E大調圓舞曲,是一首華麗的舞曲。兩頭是歡快的群舞,中間獨舞者單獨出場,表演著簡短的變化舞。這是整個芭蕾的最后一個舞蹈,它以絢麗的色彩和開頭的《夜曲》相呼應。《仙女們》的編舞者佛金,是浪漫主義芭蕾的革新者,也是現代芭蕾的先行者。二十世紀的現代芭蕾,力圖擺脫傳統芭蕾的程式,用自然的動作和自由的形式,來表現個人的思想感情和生活體驗,常同形形色色的現代派音樂相結合。現代芭蕾音樂有各種各樣的流派。

十九世紀末葉,柴可夫斯基的《天鵝湖》、《睡美人》和《胡桃夾子》把芭蕾音樂提高到交響音樂的水平。在他的舞劇中,音樂是和作品內容與舞臺動作緊密聯系的重要組成部分。柴可夫斯基提高了舞劇音樂的表現力,通過交響性的展開和對人物性格的刻劃,加深了作品的戲劇性。他在《天鵝湖》中,以富于浪漫色彩的抒情筆觸,表現了詩一般的意境,刻劃了主人公優美純潔的性格和忠貞不渝的愛情;并以磅礴的戲劇力量描繪了敵對勢力的矛盾沖突。因此,柴可夫斯基的《天鵝湖》,至今還是芭蕾音樂的典范作品。

第二分曲是一個舞蹈場面。開頭一段音樂由弦樂器奏出,王子和他的朋友本諾穿著獵裝登場。當強烈的樂隊全奏和尖銳的木管樂器旋律交替出現時,王子看見天鵝,想舉弓射擊,天鵝急忙躲藏起來。天鵝公主用一個貓跳,從舞臺后部的斜坡上落地,所謂貓跳就是蜷腿側跳的動作。接著是一段情節舞。所謂情節舞,是用舞蹈和啞劇來表現感情和戲劇情節的芭蕾場面。雙簧管吹出一個抒情曲調,天鵝公主責問王子為什么要射擊她。然后,音樂變為快板,天鵝公主向王子傾訴:她是一個公主,名叫奧杰塔。她和她的同伴都中了邪惡的魔法師洛特巴爾特的妖術,白天變成天鵝,到了夜里才恢復為人身。洛特巴爾特化裝成一只貓頭鷹。時刻監視著她們。這段音樂,是奧杰塔的獨白。當天鵝公主向王子敘述她的身世時,洛特巴爾特隨著強烈的樂隊全奏和管樂器的和強,出現在他們面前,威脅著王子。王子舉起弓來準備射擊,但為天鵝公主所阻,她安慰著驚惶失措的王子,并向他吐露了愛情。第二分曲沒有結束,就緊接著第三分曲。

第三分曲是另一個舞蹈場面。舞臺上出現天鵝的行列,奧杰塔的同伴們登場。她們發現王子,圍攏來保護奧杰塔。奧杰塔告訴她們:他是善良的,你們走吧。伴隨著奧杰塔這個舞蹈動作的,是雙簧管的獨奏。王子扔掉弓,向奧杰塔表白愛情,并告訴她說,他想殺死洛特巴爾特,使她獲得自由。公主凄然告訴他說,這是不可能的,除非有一個準備為她而死的人,發誓始終不渝地愛她。才能破除妖術,使洛特巴爾將毀滅。王子欣然起誓,并要求奧杰塔參加第二天晚上的舞會,屆時他將選她為新娘。但她說,她要到午夜才能擺脫妖術去參加舞會,而那時舞會已經結束了。她還警告王子,洛特巴爾特會用奸計破壞他的誓言。奧杰塔請她的同伴們跳舞娛樂王子。這時,剛才聽到的雙簧管主題,改由長笛獨奏。這段慢舞,是奧杰塔在王子的支持和同伴們的拱衛下表演的。

下面一個分曲是天鵝之舞,是由六首舞曲接回旋曲的原則構成的,第一首天鵝舞曲再現了兩次,整個分曲形成A-B-A-C-D-A的結構,最后是奔放活躍的尾聲。天鵝舞曲是由全體舞蹈演員表演的圓舞曲,音樂清新歡暢,婉轉流利,用單主題的三段式寫成。天鵝之舞的第二曲是奧杰塔的獨舞。小提琴和長笛先后奏出脈脈含情的旋律。第二段速度轉快,很快進入高潮。全曲用二段式寫成。天鵝之舞的第三曲是稍稍縮短了的天鵝舞曲,即第一曲的再現。第四曲是四只小天鵝跳的舞曲,音樂輕松活潑,四只小天鵝整齊一致的舞姿,包含擊腳跳和輕步行進的動作。所謂擊腳跳,就是跳起后雙腳互擊數次。所謂輕步行進,就是前腳跟碰著后腳尖的行過動作。這些動作以及頭部的轉動,惟妙惟肖地表現了小天鵝的形象。天鵝之舞的第五曲是奧杰塔和王子的情節舞。這是個三段式的抒情場面,開頭的引子是豎琴的華彩段;第一段是豎琴伴奏下的小提琴獨奏;中段交替著木管樂器的快速走句,和獨奏小提琴在弦樂器撥弦伴奏下展開主題的旋律;再現部由獨奏大提琴和獨奏小提琴互相呼應,并同時結合成為二重奏。這段雙人舞的音樂,用了二重唱的寫法,它原來就是柴可夫斯基早期歌劇《女水神》中的一首愛情二重唱,作曲家把它借用到《天鵝湖》中來了。天鵝之舞的第六曲是總體舞。音樂是圓舞曲的第二次再現,然后是歡快活躍的尾聲,奧杰塔在她舞伴的支持下,做出單足趾尖旋轉和迎風展翅等優美的舞姿,結束了豐富多彩的天鵝之舞。

天鵝主題不僅是開始和結束第二幕的主題,也是整個芭蕾的基本主題;第一幕、第二幕和第四幕的終場音樂,都以這個主題為基礎。柴可夫斯基通過主題變形的手法。用音樂來揭示戲劇情節的發展和正義戰勝邪惡的主題思想。在第一幕和第二幕中,天鵝主題是一個悲愴的小調式主題,描寫奧杰塔和她同伴們的悲慘命運;而在第四幕的終場音樂中,這個悲劇性的主題,先改變速度,變得激動不安;然后從四拍子變為寬廣的二拍子,由樂隊全奏,變成莊嚴的頌歌;最后又從小調變為大調。并放慢速度。成為一曲壯麗宏偉的凱歌,表現忠貞不渝的愛情,戰勝邪惡的力量,獲得了勝利。這種基本主題貫穿發展的手法,和他的交響音樂與歌劇音樂,是一脈相通的。

最后,談一談歌劇中的芭蕾音樂。歌劇從一開始就常常有舞蹈場面。在十九世紀的法國和意大利歌劇中,芭蕾舞是重要的組成部分。特別是在法國的大歌劇中,富麗堂皇的芭蕾舞幾乎是不可缺少的東西。德國作曲家威柏的歌劇《自由射手》原來沒有芭蕾舞,但1841年在巴黎上演時,為了適應法國觀眾的欣賞習慣,特別加進了芭蕾舞。作為這部歌劇的芭蕾音樂的,是由柏遼茲配器的《邀舞》。德國作曲家瓦格納據說對法國歌劇中的芭蕾舞非常反感,但1861年他的歌劇《湯豪舍》在巴黎演出時,也不得不加進芭蕾舞,以迎合法國人的藝術趣味。

歌劇中的芭蕾舞大多是穿插進去的娛樂性場面,和戲劇情節的發展不發生關系。意大利作曲家威爾第的歌劇《阿伊達》中也有舞蹈音樂。這部歌劇描述在埃及當奴隸的埃塞俄比亞公主阿伊達和埃及大將拉達美斯的愛情悲劇。全劇分四幕七景,場面宏大,具有大歌劇的規模。第一幕第二景、第二幕第一景和第二景都有芭蕾舞蹈。第二幕第二景是拉達美斯統率大軍,打敗埃塞俄比亞勝利歸來的場面。在埃及古都底比斯城門前,埃及戰士抬著戰利品,由吹號手領頭,從國王的寶座前走過。吹號手們吹著雄壯嘹亮的凱旋進行曲,號聲響徹云霄,舞女們翩翩起舞。這首輕盈妙曼、綽約多姿的舞曲包含五個段落,逐漸變化,又逐漸回到原來的樣子,造成一種前后對稱的形式。這時拉達美斯登場,由十二個武上抬著他的華蓋。


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